pere koniec / artinferno gráfico visual

Es un placer recuperar a Carradine en su hábitat natural, una serie B con bicho volador, pánico en las calles y algo de gore. Me hubiera encantado ver La serpiente voladora (1982) de niño, un sábado por la tarde, merendando nocilla, en una doble sesión con Furia de Titanes (1981) o cualquier aventura mitológica con criaturas de Harryhausen. Aunque este visionado, ya un poco alejado de la infancia, me ha proporcionado una sensación que creía perdida. No está mal para empezar. Seguiremos con Larry Cohen a ver que ocurre. Voy a comprar nocilla.

La panda del Dogma’95 puede despertar bastante rabia, impotencia y desprecio. Y me encantaría cagarme en sus muertos y soltar que su manifiesto es una gilipollez y un esnobismo. Lo sea o no, debo reconocer que sus dos primeros dogmas, Celebración (1998) y Los Idiotas (1998) me atrapan como a un gilipollas y entro en ambos films sin poderme defender.

Renuncio pues, a juzgar previamente cualquier obra, por mucha irritación que pueda provocarme su colectivo. Y llego al tercer dogma. Y (afortunadamente) más de lo mismo. Me gustaría soltar algo innovador y profundo sobre el film de Søren Kragh-Jacobsen, ahí va: me ha encantado Mifune (1999). Malditos daneses.

No tengo clara mi postura hacia el cine de Wim Wenders. Me faltan muchos títulos pero estoy algo desilusionado. París,Texas (1984) me fascinó en su época, por su música, por su tono y sobretodo por el trío protagonista. Pero tengo miedo a que un segundo visionado lo destruya todo. Veremos. Con El amigo Americano (1977) me ocurre exactamente igual. Bruno Ganz y Dennis Hopper salvan una narración desigual que agota por momentos. Pero la escena del metro y la increíble banda sonora me hacen tener el film en buena consideración. Aunque posiblemente no lo merezca. El experimento Relámpago sobre el agua (1980), en el que Wenders filma a un moribundo Nicholas Ray, tendrá mucho interés para los morbosos que disfrutan con la decadencia de un cineasta, pero a mi no me hace ni puta gracia. Por mucho homenaje que se pretenda, incluso aunque sea una petición del propio anciano. No he podido ver Cielo sobre Berlín (1987) porque algún cabrón hijo de mala madre ha rayado el DVD y lo ha devuelto a la biblioteca sin decir nada. Estoy pendiente pues, de descubrir una obra que se presenta interesante, sobretodo para los que vomitamos con City of Angels (1998).

Finalmente mi contacto con Wenders culmina con dos títulos que hubiera preferido ahorrarme: Hasta el fin del mundo (1991), cuyo argumento he olvidado pero que recuerdo con brutal aburrimiento y sobretodo, y por encima de todo, esa cosa llamada The Million Dollar Hotel (2000), co-escrita por Bono de U2. Sin comentarios. Llegado a este punto, miedo tengo al cine de Wenders, aunque una extraña esperanza interna me dice que el esquema de sus films reza: dos horas de aburrimiento y 20 minutos geniales. Dilema de espectador. Aguantar o no aguantar. Depende del momento. Lo más interesante de Wenders es que, teniendo en cuenta su cine, no parece caer mal, incluso por sus textos y declaraciones se presenta como un tipo afable. Como aquel timador que sabe que tarde o temprano será descubierto. Pues lo mismo. Y por eso mismo nos quedamos con dos fotos que el propio Wenders cuelga en su web. Una campechana comida con los maestros del Horror.

Foto 1: John Landis, Guillermo del Toro, Tobe Hooper y Wim Wenders.
Foto 2: Wenders, Michael Mann y Landis (en segundo plano encontramos a Juanma Bajo Ulloa).

+ obras en su web personal o en el blog por entregas Tras la huella de Julie

Atención a Días Rebeldes (1986), ese anticipo de Dirty Dancing (pero con gimnastas) que arrasó los videoclubs de finales de los 80'.

“¿Cuanto tiempo te podías pasar mirando este cromo? Años, siglos, toda una mañana, imposible saberlo.
Estabas en plena fuga, en éxtasis, colgado en plena pausa, arrebatado.”

Will More (Arrebato,1979)

Aunque me avergüenzo de no conocer su premiado Shine (1996) me encanta seguir encontrándome a Geoffrey Rush en cualquier escena de...

Shakespeare in Love (1998), Quills (2000), Frida (2002), Piratas del Caribe (2003), Llámame Peter (2004), Munich (2005)

Esté doblado por Mario Gas o en su VO, el Sr.Rush está especialmente fantástico como Marques de Sade, o como Trotsky y sobretodo, y por encima de todo, clonando a Peter Sellers.

Rompiendo las olas (1996), El indomable Will Hunting (1997), Bailar en la oscuridad (2000), Dogville (2003), El rey Arturo (2004)...y muchas películas que todavía no he visto.

…e incluso rodando dos versiones de un mismo proyecto, primero con Paul Schrader Dominion: La precuela del Exorcista (2005), y poco después con Renny Harlin El Exorcista: El Comienzo (2004). Tierra de Cinéfagos nos cuenta la duplicada historia de ambos exorcismos.

Adolescencia. Noches de verano. Brujería y algo de sexo. La bella Kelly Preston es Miranda Reed, una joven que huye de una secta satánica. Un abogado la salva de los sectarios e inician un romance. Pero el culto satánico no dejará de acechar a la pareja hasta un final sorprendente. O al menos lo fue para un adolescente poco sorprendido. No menciono el título español porque, además de que es cutre a rabiar, sería como destripar Rosemary’s Baby (1968) llamándola La semilla del diablo. Escribo desde el recuerdo y aunque me temo que Spellbinder (1988) no soportaría un segundo visionado, el recuerdo sigue vivo y naturalmente idealizado.

Pero para deseos idealizados, una jefa de animadoras en un film de los 80. Esa jefa de melena rubia y falda rosa que, o será tonta del culo y encarnará a una mala puta, o bien querrá alejarse de la superficialidad para liarse con el freak previamente rechazado. En cualquiera de los casos, Kelly Preston siempre fue la más indicada para esos personajes. Basta recordar Admiradora Secreta (1985) y la ola de onanismo que debió provocar. Que provoca. Si se ha perdido gran parte de inocencia, se recomienda visionar Spellbinder con afecto y dejarse embrujar sin prejuicios. Lo ideal sería volver a sentir esas noches de verano en las que una película emergía de madrugada sin referencia previa. Brujería y algo de sexo. Spellbinder promete.

Inteligencia Artificial (2001) dura 140 minutos así que es fácil que resulte irregular. A unos les agradará la primera parte con el Meca-Niño y la madre. Y otros preferirán el segmento de gigolós cibernéticos y noches apocalípticas. El tercer fragmento situado en un sumergido Manhattan servirá para aclarar dudas hasta culminar en uno de los planos más bellos que le he visto rodar a Spielberg. Confieso que si el film hubiera finalizado con el plano general de una noria sumergida convertida en eterna jaula, aplaudiría al mejor Spielberg en muchos años. Quizá el mejor de su vida. ¿Dónde hay que tatuarse su nombre?

Pero no. El film no acaba en ese instante y una monumental elipsis nos sitúa en otra situación. El verdadero final. El verdadero Spielberg. Si no fuera por la aparición de ciertos seres y sobretodo por la idea de sentar en un sofá a uno de ellos, el epílogo no sería tan espantoso. Sería el final de reencuentro que toca y la mayoría estaríamos satisfechos e incluso emocionados. Pero no. Los últimos 30 minutos me desalientan y llego a la conclusión de que, en ocasiones, hay que sacar al director de la sala de edición. Se recomienda apagar el DVD en el instante comentado y disfrutar del mejor Spielberg.

"No sé si mi mujer me dejó porque bebía, o bebo porque mi mujer me dejó."

Se lo decía el borracho Ben (Nicolas Cage) a la prostituta Sera (Elisabeth Shue).

Leaving Las Vegas (1995), un film de Mike Figgis.

Ocurrió el sábado 13 de junio. Cines Casablanca (Barcelona).
Las voces: Rubén Lardín, Nacho Vigalondo, Señor Ausente y Raúl Minchinela.
La película: Made in China (1982). El creador: John Liu. La metáfora: El conejo.

En la foto: Raúl Minchinela y José María Blanco (villano del film).

Jean-Luc Godard filma nucas y panorámicas a modo de ametralladora.

Y de paso nos cuenta los detalles sobre la prostituta Nana (Anna Karina). Vivir su vida (1962).

Tributo a Remo: desarmado y peligroso (1985). Un film de Guy Hamilton con Fred Ward.

Le recuerdo en: Kung Fu (1972), Boxcar Bertha (1972), Malas Calles (1973), Death Race 2000(1975),

Cannonball! (1976), McQuade, el lobo solitario (1983)

...y naturalmente en Kill Bill Vol.2 (2004). Fotos: Mark Berry

Petición de Israel Gordon, fan absoluto de las correrías de Ferris Bueller.

(Todo en un día, 1986). Un film de John Hughes.

Cada cierto tiempo me gusta releer Hollywood (1989), la novela que Bukowski escribió sobre la filmación de Barfly (1987). Los mejores pasajes son acerca del director del film Barbet Schroeder, que en la novela se convierte en Jon Pinchot. En cierto momento, un actor rebelde (Tom Pell) y otro director (Marc Austin) se interesan por el proyecto pero, tras una única reunión, Barbet Schroeder lo tiene claro y llama a su abogado en París:

-¡Paul!, ¡Sí, soy Jon Pinchot!, sí, es urgente, ¡Quiero que añadas algo a mi testamento!, ¿estas listo?, sí, espero…es sobre una película, tengo todos los derechos, se llama El Baile de Jim Bean, escrita por Henry Chinaski, muy bien, apunta esto: ¡En caso de que yo muera, esta película nunca será dirigida por Marc Austin!, ¡Esta película podrá ser dirigida por cualquiera en este mundo excepto Marc Austin!, ¿Has cogido eso, Paul?, sí, muchas gracias, Paul, sí, estoy bien, ¿Qué tal tu salud?, muy bien, ¡Cualquiera menos Marc Austin!, Muchísimas gracias, Paul, ¡Buenas noches, buenas noches!

Tom Pell era Sean Penn y Marc Austin era nada menos que…Dennis Hooper.

Jason (Espera, No me dejes nunca) - Jeffrey Brown (Gato saliendo de una bolsa)

Paco Alcázar (El Manual de mi mente) - Pedro Vera (Ortega y Pacheco, El Jueves)

Me cito con Leos Carax y vuelvo al Pont-Neuf. Envidio al espectador que todavía no haya visitado el puente. No hay nada como ese primer visionado. Noqueo en el primer asalto y cine por KO. El segundo visionado anula algunos aspectos pero el film de Carax sigue potente, único y fascinante. Una única pega a este film irrepetible se mantiene desde la primera vez. La música cursi del final sobra. Pero todos los monstruos sacan ese lado cursi para compensar así que se entiende y se acepta. La Coixet afirma que ahora Carax es un desecho humano y que no volverá a rodar. Los productores le repudian y tiene pinta de acabar como uno de sus personajes. Veremos. Pero antes, hay 5 momentos imborrables. No importa el número de visionados. Los 5 momentos que colocan a Leos Carax en lo más alto:

1-El mendigo Alex caminando por una carretera de madrugada.
2-Persecución en paralelo por los pasillos del metro.
3-Fuegos artificiales en el Sena y posterior sesión de surf.
4-Carteles en el metro y fuegos provocados.
5-Nieve y reencuentro en el puente.

Temporalmente disponibles por los alrededores de Sants Estació (Barcelona)

En la delirante Ruta Suicida (1977), Eastwood debe transportar y proteger a Sandra Locke, una testigo amenazada por la mafia. A parte de la escena-macarra con los Angeles del Infierno, la mejor y más conocida escena del film se desarrolla en un autobús que acabará tiroteado como Dios (Eastwood) manda. Casi treinta años después, 16 Calles (2006) demuestra que, si el cine es una chica con pistola, el cine de acción tendrá que ser Bruce Willis con una automática. Que Richard Donner siempre es garantía y da lo que promete (si sabes lo que da y no buscas lo que no promete). Y que si tienes que proteger a un testigo ves a la parada más próxima y atrinchérate dentro de un autobús. El símil del bus es la única conexión de ambos films. Esa y las ganas de no aburrir. Viva Richard Donner. Y todavía no he visto ni una maldita arma letal.

Travolta se encara con Bruce Willis y Tarantino funde a negro. Aparece Trudi, una chica con pelo corto que escucha a Rosanna Arquette hablar sobre sus percings. Siempre que veía esta escena de Pulp Fiction (1994) pensaba ¿Dónde he visto antes a la chica del pelo corto?. La respuesta era fácil pero tardé lo suyo en averiguarlo. Y fue por casualidad. La actriz se llamaba Bronagh Gallagher y resulta que era una de las chicas de Los Commitments (1991). La cosa no tendría importancia sino fuera porque la película de Alan Parker es uno de mis films favoritos. De siempre y desde siempre. Ocurre otra vez, hace poco. El otro día veo Once (2007) el sencillo y sensacional film de John Carney. Además de enamorarme de las canciones y de la pareja protagonista, mi memoria me da el toque y me señala al protagonista. ¿Dónde he visto antes esa cara?. Esta vez me informo. El actor se llama Glen Hansard y es músico y compositor. Tiene un grupo llamado The Frames y actúa de forma ocasional. Me voy acercando y bingo. Glen Hansard era Outspan Foster, uno de los guitarristas de Los Commitments. Todo encaja. Todo tiene sentido. Todo Commitments. Siempre Commitments.

Tenía muchas (pero muchas) ganas de ver Libertad Condicional (1978) porque: 1) El Dustin Hoffman de los años ‘70 siempre vale la pena. 2) El film está basado en una novela de Edward Bunker. 3) La música es de David Shire. 4) Desde Alien (1979) y Paris, Texas (1984) soy fan de Harry Dean Stanton. y 5) No había un motivo un concreto: tan sólo un presentimiento de film potente. Tras verla dejo constancia que el film de Ulu Grosbard es magnífico. En todos los aspectos. Hoffman está magnífico y Dean Stanton también. Y aparece Theresa Russell, y una joven Katy Bates y también un despreciable M.Emmet Walsh. Incluso aparece Gary Busey en su habitual rol de colgado. Estoy entusiasmado. ¿Y que tal los golpes?. Los dos atracos son como deben ser: intensos y realistas. El film está co-escrito y asesorado por Edward Bunker, antiguo delincuente transformado en escritor, y que la mayoría conocemos por su breve Señor Azul en el film de Tarantino. Tras media vida entre rejas, Bunker escribió varios libros autobiográficos que dieron pie a Libertad Condicional (1978) o Animal Factory (2000). Además de su gangster azulado, se puede encontrar al Bunker-actor en Perseguido (1987), Miracle Mile (1988), Tango y Cash (1989) o en esta libertad condicional , donde interpreta a un colega de trapicheos. Estoy emocionado de volver a entusiasmarme.

Otras transformaciones en The Criterion Grindhouse Collection

Más trabajos en la web del diseñador Matthew Flute.

De acuerdo, la nominaron a 3 Razzie, pero lo mejor de Encerrado (Lock Up, 1989) siempre fue: 1) Tom Sizemore como Dallas, el colega de Stallone. 2) La restauración del Ford Mustang (como el Gonna Fly Now de Rocky pero en coche). 3) El turbador villano Chink Weber (Sonny Landham) puteando a todo el personal. 4) Donald Sutherland como sádico alcaide rozando casi la parodia y 5) Stallone dando su merecido a los villanos mencionados.