La mejor película de los Coen (que ya es decir)

Tras la pequeña frustración que supuso “Pozos de Ambición”, me daba miedo este ultimo film de los hermanos Coen. Miedo por dos razones. Sus últimas películas habían sido algo flojas, aunque siempre correctas e interesantes. Pero había cierta decepción disfrazada de aceptación. El otro motivo de temor era la ecuación cinéfila que había en el aire: Sangre Fácil + Fargo = No es país para viejos. La suma en sí era atractiva pero no dejaba de ser motivo de alerta. La idea de ver un cóctel de Coen no era demasiado alentador. Sonaba a pereza. Pero como siempre, hay que ver la película para opinar. Lo resumiré así: Normalmente destaco los 5 mejores puntos de una película pero esta vez no puedo. Me faltan puntos, muchos puntos. Necesitaría miles de puntos para destacar lo buena que es “No es país para viejos” y no me da la gana destripar nada de este cojonudo film. Pero hay que destacar algo sobre la anterior suma. Persecuciones nocturnas, coches que se acercan y oscuridad en habitaciones. Estos son los paralelismos con “Sangre Fácil (1985)”. Maletín con dinero, policías campechanos y muchos cadáveres son los paralelismos con “Fargo (1996)”. Ethan y Joen Coen recuerdan la energía de sus mejores películas y crean una obra brutal, frenética y silenciosa. Violenta y hermosa. Los más afortunados serán los que no hayan visto nada de estos hermanos, porqué sin los (inofensivos) dejavus de sus otras películas, este “No es país para viejos” todavía les parecerá mejor. Sobre el asesino Bardem ya está todo dicho: se come la pantalla, la película y todos los mortales que encuentra en su camino. Tras algunos infectos años, resulta sorprendente que este año los Oscar hayan hecho diana. Realmente es la mejor película del año. ¿Y los Hermanos Coen? Nunca han dirigido mejor. Amén.

Aquellos dibujos para “Els contes del Nano Zombi”

Entre 1994 y 1996, Catalunya Radio emitía “Pasta Gansa”, un divertido concurso presentado por Mikimoto. Antes de responder a la pregunta que les daría fortuna, los concursantes escuchaban una serie de relatos narrados por Mikimoto, escritos por Eulalia Carrillo, Josep Maria Ferrer Sirvent, Francesc Orteu y Joan Tharrats. Estos relatos contenían series como “Amors imposibles”, “El maleter del cotxe” y sobretodo la que todos recordamos: “Els contes del Nano Zombi”. En apenas 30 segundos, se nos narraban las divertidas y terroríficas hazañas de un niño zombi que arrasaba y acojonaba todo lo que encontraba. Los relatos brillaban por sus demenciales historias y tenían como fondo musical un tema que compuso Pino Donaggio para la banda sonora de “Impacto (Blow Out, 1982)”, el genial film de Brian de Palma. Era tal la fascinación por esta serie que, con unos 15 años y mucho acné, quise adaptar estos relatos en forma de cómic. Nunca llegué a crear un cómic completo, pero sí que llegué a unos cuantos bocetos del personaje. Desde sergisogas.com, el autor nos cuenta una de sus experiencias como espectador del programa, y nos ofrece uno de los relatos que pudo rescatar. Han pasado más de diez años y ahora, aunque los retocaría de mil formas, rescato los dibujos originales y, al más puro Jodorowsky, hago feliz a ese adolescente que fui.

ELS CONTES DEL NANO ZOMBI (Francesc Orteu)

El carrer principal de la gran ciutat és ple de sucursals bancàries, sucursals on fan tota mena de regals als clients: bolígrafs, calendaris i caramels. Precisament això és el que busca… el Nano Zombi. Ell sap instintivament que dins de cada oficina hi ha una safata plena de caramels, i per això hi entra i el seu cap de síndria es desplaça discretament entre les cames dels clients, fins que arriba al taulell. Llavors s’enfila a un cendrer de peu i l’operari descobreix sobtadament la seva mirada d’ulls blancs. El Nano pren tants caramels com pot i intenta fugir, però el seu cap pesant li impedeix avançar amb agilitat i topa contra un guarda jurat que somriu confiat. I aquell somrís es converteix en una ganyota macabra quan el Nano li mossega el nas i se l’endú entre les dents cap al carrer. Per això, si quan sou dins d’un banc entra un xaval i pren caramels, no intenteu aturar-lo perquè podria ser… el Nano Zombi.

“El Señor Brecht” de Gonçálo M.Tavares

Los mejores libros son aquellos que no quieres terminar. Gonçálo M.Tavares (1970) consigue con “El Señor Brecht”, uno de esos milagros. 60 páginas de historias como estas:

EL PARADO CON HIJOS

Le dijeron: “Solo te ofrecemos trabajo si te cortamos la mano”. Llevaba mucho tiempo en el paro, tenía hijos, aceptó. Más tarde, lo despidieron y volvió a buscar trabajo. Le dijeron: “Solo te ofrecemos trabajo si te cortamos la mano que te queda”. Llevaba mucho tiempo en el paro, tenía hijos, aceptó. Más tarde, lo despidieron y volvió a buscar trabajo. Le dijeron: “Solo te ofrecemos trabajo si te cortamos la cabeza”. Llevaba mucho tiempo en el paro, tenía hijos, aceptó.

EL HOMBRE MALEDUCADO

El maleducado no se quitaba el sombrero jamás. Ni ante las señoras que pasaban, ni en una reunión importante, ni cuando entraba en la iglesia. Poco a poco la gente empezó a repudiar la grosería de aquel hombre, y con los años esta agresividad fue en aumento hasta llegar a su extremo: el hombre fue condenado a la guillotina. El día de la ejecución, colocó la cabeza en el cepo. Como siempre y orgullosamente, con el sombrero calado. Todos aguardaban. La hoja de la guillotina cayó y la cabeza rodó. Sin embargo, el sombrero permaneció en la cabeza. Se acercaron entonces para quitarle por fin el sombrero a aquel maleducado. Pero fue en vano. No era un sombrero. Era su propia cabeza, que tenía una forma extraña.

La felicidad de un hijo (Jodorowsky 3)

El universo de Alejandro Jodorowsky es tan rico y extenso que de momento sólo me atrevo con su cine y algo de su literatura. Sobre sus películas ya he hablado, no sin pocas dificultades, y ahora rescato un maravilloso fragmento de su biografía El Maestro y las Magas.

¡Cuánto quise a mi desaparecido hijo Teo!. Quizás presintiendo su temprana muerte hice todo lo que pude para darle una infancia feliz. Al cumplir 7 años, me pidió ir solo conmigo a un restaurante chino. Así lo hicimos. Leyendo el menú se le hizo la boca agua al ver el nombre de doce sopas. Todas le parecieron deliciosas y se angustió al no saber cuál elegir. Me pidió que yo decidiera. Me di cuenta de que, eligiera lo que eligiera, él quedaría frustrado. Recordé un chiste:

Una familia toma asiento en el restaurante para cenar. Llega la camarera, anota lo que desean los adultos y luego le pregunta al niño: “¿Qué vas a tomar?”. El muchachito mira con timidez a sus padres y dice: “Una hamburguesa”. Antes de que la camarera tenga tiempo de escribirlo, interviene la madre: “¡Nada de hamburguesas!, ¡Tráigale un filete con puré de patata y zanahorias!”. La camarera parece no oírla: “¿Cómo quieres la hamburguesa con ketchup o con mostaza?”, pregunta al niño. “Con ketchup”. “Te la traigo en un minuto”, dice la camarera yéndose hacia la cocina. Cuando ésta desaparece, hay un instante de silencio producido por el asombro. Al fin el niño mira a todos los presentes y exclama: “¿Qué os parece?, ¡La camarera piensa que soy real!.”

Este chiste me dio la solución al koan: tenía que satisfacer los deseos de mi hijo, no los míos. Llamé al camarero y le pedí que sirviera al mismo tiempo las doce sopas. Al ver la mesa llena de esos exóticos tazones plenos de líquidos deliciosos, Teo cayó en éxtasis. Tomó unas pocas cucharadas de cada uno. Fue feliz.

Armas en “La Montaña Sagrada” (Jodorowsky 2)

Si os fascinan los gadgets que presenta Robert Rodríguez en sus películas, tenéis que darle un vistazo a lo que hizo Jodorowsky en su Montaña Sagrada. El Alquimista Jodo le muestra al Ladrón las personas más poderosas del mundo. Una de ellas se presenta así: “Me llamo Isla y mi planeta es Marte. Me dedico a la fabricación y venta de armas. Producimos bombarderos, bombas de oxígeno, pistolas de rayos, bacterias letales, ondas de antimateria, gases cancerígenos, etc. Los jóvenes necesitan armas para sus marchas y sentadas. Tenemos escopetas psicodélicas, collares de granadas, armas de estilo rock, armas místicas para budistas, judíos y cristianos”.

Las Tres de Alejandro (Jodorowsky 1)

Alejandro Jodorowsky ha dirigió 6 películas de las que sólo considera suyas las 3 primeras: “Fando y Lis (1968)”, “El Topo (1970)” y “La Montaña Sagrada (1973)”. Aunque no incluya “Santa Sangre (1989)", uno sigue pensando que es realmente magnífica al que ya le dedicamos un pequeño articulo. El control y la presión de los productores sobre sus otras películas (Tusk, El Ladrón del Arco Iris) hicieron que Jododowsky nos las considere suyas. Sus tres primeras películas son fascinantes, llenas de creatividad y con unas imágenes a recordar por muchos años. Me es difícil hablar del cine de Jodorowsky porqué me siento idiota utilizando cualquier adjetivo. Hay que ver sus películas y luego opinar, pero hay que verlas y superar los prejuicios iniciales.

Su opera prima es Fando y Lis (1968), adaptación de una obra de Fernando Arrabal con el que fundó el movimiento Pánico. Ya de entrada la descripción de los personajes es brutal: Fando es impotente y Lis paralítica. Durante todo el metraje la extraña pareja viaja por unas montañas esquivando todo tipo de obstáculos en busca de la ciudad de Tar. No nos engañemos, el film es surrealista y fascinante, pero es fácil agobiarse y desquiciarse por momentos. Es como ver “Un perro Andaluz” durante hora y media. Cuentan que en su estreno, Jodorowsky salió huyendo tras un intento de linchamiento e incluso alguien sacó su pistola para matarlo. En uno de los instantes más perturbadores, Fando abandona a Lis y topa con un grupo de ancianas que juegan al póker con melocotones. Tras rechazar a las viciosas ancianas, Fando es atacado por un grupo féminas sadomasoquistas que juegan a bolos con él. Demencial la escena y todo lo que prosigue.

Dos años después llega el western místico El Topo (1970). Digo western porqué hay caballos, revólveres y estética western, pero durante su visionado uno nunca sabe lo que esta viendo y sobretodo lo que verá. Esto es el cine de Jodorowsky: puede ocurrir cualquier cosa. Tras una contundente primera escena, el film pasea por todo tipo de sensaciones. Hay un magnífico duelo con un globo en el que el Topo mata a unos asaltantes, y como detalle simpático reconocer a uno de estos ladrones cómo él posteriormente cineasta Alfonso Arau. El Topo busca a los cuatro “Maestros del Revolver” y cada encuentro tiene su moraleja y su potencia visual. Pero si hay una escena acojonante es la ruleta rusa en la Iglesia. A grito de “Tú nos proteges, Señor”, los asistentes de la misa juegan con un revólver esperando la protección del Señor. El desarrollo de toda la escena y el clímax quita el habla. La parte final de “El Topo” se vuelca por completo en el misticismo y aunque tiene su interés, contrasta con su primer estilo de western flipado que tanto nos gusta. La película fue aclamada por John Lennon y se mantuvo en sesiones de medianoche durante un año. Película peyote donde las haya.

Su siguiente film sería La Montaña Sagrada (1973) y debía estar protagonizada por George Harrison. Cuenta el propio Jodorowsky que el beatle no actuó al no atreverse a mostrar un primer plano de su ano. Vista la escena a la que se refiere, no hay ni primer plano ni escándalo. Jodorowsky contó con un actor desconocido y realizó un film realmente indescriptible. Un ladrón conoce a un alquimista y este le presenta a las personas más poderosas del planeta. Tras unas delirantes presentaciones, el Ladrón se une al equipo y viajan en busca de la Montaña Sagrada. La escena final es toda una declaración de principios, pero si hay algo realmente bueno son las presentaciones de las personas más poderosas del planeta. Creatividad a 24 fotogramas por segundo en uno de los mejores instantes que ha rodado Alejandro Jodorowsky. De hecho, vale la pena destacar uno de esos momentos en otro artículo: Armas en La Montaña Sagrada de Jodorowsky

Cine: Paul Thomas Anderson se bebe tu batido

Paul Thomas Anderson (1970) es uno de los mejores cineastas de la actualidad, o al menos es uno de mis favoritos. “Sydney (1996)” era correcta y buena, aunque no consigo retener demasiados momentos mágicos. Boggie Nights (1997) era completamente apasionante y lo único que lastraba esta crónica porno era la sombra de Scorsese y Tarantino. “Magnolia (1999)” tenía un prólogo sobrenatural y las otras 3 horas resultaban un continuo clímax difícil de asimilar. Aunque la sombra Robert Altman volaba en esta extenuante historia coral, tenía buenos momentos con Tom Cruise y la famosa lluvia del final. “Punch-Drunk Love (2002)” se presentaba como su cinta más experimental y tenía su gracia ver a Adam Sandler y a Emily Watson como la extraña pareja. Esta vez en ocasiones se asomaba la sombra del Lynch y del absurdo en una muy buena rareza con un malo Philip Seymour Hoffman. Ahora que estrena “Pozos de Ambición (2007)” mi decepción resulta bastante amarga porqué deseaba que fuera un film acojonante. Me encantaría decir que es la genialidad de la que todos hablan pero me temo que no podré hacerlo. La película es buena, pero no tanto como se podría esperar, o al menos no tanto cómo las expectativas pueden hacer creer. Empieza con los famosos 20 minutos sin diálogo, rodados con pulso y paciencia. Después asistimos a la evolución de un Daniel Day-Lewis que se debate entre su hijo y sus grandes ambiciones. La parte final y en especial la última secuencia dan un cambio radical a todo lo visto en el film. Desde “Imágenes de Acualidad”, Álex Faúndez califica el final como ridículo. Dudo. Todavía no tengo definida mi opinión sobre ese desenlace. Me puede parecer ridículo como marca Faúndez, pero hay algo en la potencia de Daniel Day-Lewis que hace la escena se desmarque de lo ridículo para rozar lo sublime, pero no estoy del todo seguro. Me gusta señalar los puntos buenos y hay van los cinco de “Pozos de Ambición”. 1) Naturalmente, la puesta en escena de Paul Thomas Anderson, aunque siempre se le vaya la mano en la duración. 2) La secuencia del accidente: Plano secuencia con música atronada. Realmente acojonante. 3) Un monstruoso Daniel Day-Lewis omnipresente en todo el film: sin él no habría película. 4) Ese desenlace con ecos de naranjas mecánicas y resplandores: Ridículo o brutal, según mires el vaso. 5) El film está dedicado a Robert Altman (1925-2006).

Dibujantes: La cinefilia de Justin Reed

¿Hay algo mejor que un dibujante?, Sí, un dibujante cinéfilo. Al talentoso Justin Reed le gusta el cine y crea estas espectaculares obras sobre Reservoir Dogs, Pulp Fiction, El Club de la lucha o el universo de Kevin Smith. No os perdáis lo que hace con “Las Reglas del Juego”, “Olvídate de mí” o “Closer”.

Denuncia Social: Audrey hasta en la sopa

Relojes, bolsos, chapas, cojines, tazas, carteles, hasta ¡enormes biombos!. ¿Falta algún artículo con la imagen de Audrey Hepburn?. Uno ya no puede ver una película de esta actriz sin pensar en la sobredosis de merchandising que inunda las tiendas. Han quemado su imagen de una forma brutal. La cima de esta violación son los montajes de su rostro con un fondo de Van Gogh. Propongo reunir todos los artículos y crear la casa tributo a Audrey Hepburn. Y luego que arda en llamas. Además de la defenestrada “Desayuno con Diamantes” vale le pena recuperar una de sus mejores películas, así como uno de los mejores análisis sobre la pareja que se han filmado nunca: “Dos en la carretera (Two for the Road,1967)”.

La canción de amor más bella jamás escrita

Texto: Oblikue

Escrita por el cantautor Víctor Manuel en 1978, incluida en el álbum “Soy un corazón tendido al sol”, la canción “Sólo pienso en ti” refleja como ninguna otra la esencia más pura, autentica y transparente de amor entre dos personas. Esta canción es la historia de un hombre y una mujer discapacitados mentales. Sus destinos son crueles, ya que ella, nada más nacer, cae al suelo, al resbalársele a su padre, mientras que él nació con los pies por delante, causándole daños irreparables en el cerebro, abandonándole después, por ese motivo. Una vez se encuentran, siendo ya adultos, con 26 y 32 años, describen una preciosa historia de amor, limpia de cualquier influencia que no sea la de querer y amar desde lo mas profundo del corazón. No poder dejar de pensar en la otra persona, pasear cogidos de la mano y sentir que no es posible más felicidad estando juntos, o ver como él le dibuja algo que representa un corazón, y con este, el amor que siente por ella describe con extraordinaria sensibilidad la historia de amor de estas dos personas. En este año, en el que la canción cumple 30 años, no quería dejar de rendir este pequeño homenaje a esta conmovedora canción, basada en una historia real de dos jóvenes que en esa época (1978) residían en un colegio de discapacitados en Cabra(Córdoba), y que en la actualidad, según el propio Víctor Manuel dijo en 2004, son pareja todavía, con 60 años él y algo menos ella. No perdáis la ocasión de oírla de nuevo y emocionaos con su esencia.

Sólo pienso en ti (Víctor Manuel, 1978)
Ella fue a nacer en una fría sala de hospital cuando vio la luz su frente se quebró como cristal porque entre los dedos a su padre como un pez se le escurrió hace un mes cumplió los veintiséis. Sólo pienso en ti. Hey, sólo pienso en ti. Juntos de la mano se les ve por el jardín no puede haber nadie en este mundo tan feliz. Hey, sólo pienso en ti. Él nació de pie lo fueron a parir entre algodón su padre pensó que a quello era un castigo del señor. Le buscó un lugar para olvidarlo y siendo niño le internó pronto cumplirá los treinta y tres. Sólo pienso en ti. Hey, sólo pienso en ti. Juntos de la mano se les ve por el jardín no puede haber nadie en este mundo tan feliz. Hey, sólo pienso en ti. En el comedor, les sientan separados a comer si se miran bien les corren mil hormigas por los pies. Ella le regala alguna flor y él le dibuja en un papel algo parecido a un corazón. Sólo pienso en ti. Hey, sólo pienso en ti. Juntos de la mano se les ve por el jardín no puede haber nadie en este mundo tan feliz. Hey, sólo pienso en ti. Hey, sólo pienso en ti. Juntos de la mano se les ve por el jardín no puede haber nadie en este mundo tan feliz. Hey, sólo pienso en ti. Video Youtube aquí. 

Buscando la casa del terror

El terror estaba cerca, concretamente en Rambla Catalunya, 34 (Barcelona).

REC (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007) (Fotos: Lili Kitsch)

La Laia de Gemma Aguasca (Santa Eulàlia 2008)

“La Laia ens convida a la festa”. Tras la Laia de Vizcarra, este año nos ilustra las “Festes de Santa Eulàlia” la dibujante Gemma Aguasca (1972). Un post dedicado a Lili Kitsch.

Blog de la ilustradora: http://www.gemmagas.com/

Las tres misiones de Nikita

Luc Besson no quiere dirigir más películas. Seguirá escribiendo y produciendo pero no volverá a ponerse tras la cámara. Dice que quiere parar ahora que ha dirigido 10 buenas películas. Sus seguidores lamentamos su retiro, pero estamos de acuerdo con él: ha hecho 10 buenas películas, aunque en ocasiones a uno se le atragante su “Juana de Arco (1999)”. Uno de sus mejores trabajos fue “Nikita (1990)”, de la que se realizó el decente remake “La Asesina (John Badham, 1993)” y una posterior serie para TV. Nikita es una delincuente a la que una agencia secreta del gobierno le obliga convertirse en asesina a sueldo. Tras un duro entrenamiento, Nikita empieza a trabajar. Luc Besson sabe como hacer cine y tres de las mejores secuencias pertenecen a las tres misiones de la asesina. En la primera, Nikita celebra su primera salida del centro con una cena en un restaurante de lujo. Pero hay una pequeña sorpresa con ecos de una famosa escena de “El Padrino”. Impecable su realización, así como su desenlace en la cocina. Las otras misiones no merecen ser destripadas en este texto, así que hay que visionar la habilidad con la que Luc Besson traza la misión en Venecia con unos sencillos elementos. La tercera misión se desarrolla en el loft de una pintora y finaliza con la aparición del limpiador Jean Reno. Poco después, Besson rodó de nuevo con Reno la estupenda “León, el profesional (1994), con la primeriza Natalie Portman y el polifacético Gary Oldman. Vale la pena descubrir o revisionar los trabajos de un Luc Besson siempre hábil y potente. Aunque lo del retiro de un cineasta es algo que siempre es bastante dudoso. Confesión: Me divierte terriblemente ese “Wasabi (2001)”, un film escrito por Luc Bessón, con un Jean Reno como protector de su hija asiática. Gracias a GB por descubrirme este film.

Planificando el polvo del siglo

El productor Mario Kassar pagó 3 millones de dólares por el guión de Joe Estherzas y ofreció la dirección a Paul Verhoeven. Unieron a Michael Douglas y a Sharon Stone y filmaron el denominado polvo del siglo. Verhoeven mostró un detallado storyboard para la famosa escena pero finalmente opto por “colocar la cámara por todas partes”, y se improvisó para mayor angustia (o no) de la pareja protagonista. Ahora, tras cientos de imitaciones, y tras ser superada por el polvo de Monster’s Ball (2001), este Instinto permanece como el ejemplar thriller que siempre ha sido.

Buen cine de acción en "John Rambo"

Me niego a hablar sobre ideología, para eso ya están otros. "John Rambo" es cine de acción. Los malos son muy malos y hay que cargárselos o te mataran a ti y toda tu familia. Es la guerra!. A los más críticos les recuerdo que John McClane lleva décadas matando a terroristas y su “Jungla de Cristal” sigue teniendo ese prestigio que el bueno de Stallone nunca tendrá. Rambo es cine de acción y cinematográficamente hablando este “John Rambo” tiene cosas muy buenas: 1) La secuencia nocturna del rescate bajo la lluvia: Planificación y montaje impecable. 2) El estupendo flashback onírico con fragmentos de la trilogía que recuerdan el origen del personaje. 3) La trampa de Rambo hacia los soldados con perros rastreadores. 4) La nostálgica secuencia final con ecos del primer “Acorralado (Ted Kocheff 1982). ”. 5) Es directa, no aburre y dura lo justo. ¿Cuántas veces ocurre eso con una película?. Trilogía Rambo (contada en pocas palabras).

Jonathan Glazer detiene el plano

Jonathan Glazer ha rodado spots acojonantes como Odissey (Levi’s) o Paint (Sony Bravia), así como videoclips para Massive Attack, Jamiroquai o Radiohead. Su primer largometraje fue Sexy Beast (2000) y cuenta como Ben Kingsley las hacer pasar putas a Ray Winstone para que acepte un trabajo. El film tiene escenas muy buenas como el robo bajo el agua, así como detalles muy propios del realizador. 

En 2004 estrena "Birth", bajo el horroroso título “Reencarnación” y, tras alguna absurda polémica con la escena de la bañera, la película pasa sin pena ni gloria. El argumento puede ser discutible e incluso ridículo según como se mire, pero tiene 2 cosas sencillamente geniales. 1) La maravillosa música de Alexandre Desplat que fluye en todas las imágenes y 2) El estilo de Jonathan Glazer para rodar algunos instantes como la escena inicial con el marido haciendo footing y sobretodo: el sencillo plano secuencia que nos introduce en el pensamiento de Nicole Kidman. Una grúa nos muestra en plano general a Anna (Nicole Kidman) y a Joseph (Danny Huston) entrando en una sala de Ópera. Ocupan sus asientos y observan el espectáculo. La cámara se detiene en un plano corto de la actriz y se mantiene durante un tiempo increíble. Unas escenas antes, un niño llamado Sean le ha explicado algo improbable e imposible de creer, pero Anna empieza a dudar en este larguísimo plano estático.